Quatorzième long-métrage d’un cinéaste qui n’est alors en activité que depuis six ans (!), Marché de brutes est un film noir de série B plutôt efficace signé par Anthony Mann, renommé plus tard pour ses westerns âpres et violents.
Première actrice afro-américaine à signer un contrat de longue durée avec la MGM, Lena Horne arrive à Hollywood au début des années 40 pleine d’espoirs et de rêves de cinéma. Confrontée au racisme et à la ségrégation raciale, sa carrière ne décollera jamais et elle devient alors une figure du Mouvement des Droits Civiques dans les années 60.
>Film à la fois profondément américain et profondément emprunt de l’âme de Jean Renoir, L’Homme du Sud capture une mythologie du territoire en parallèle d’un contexte social. Alors que la guerre touche à sa fin en Europe, le cinéaste exilé affirme un film plus personnel qui se confronte dans le même temps aux limites du système hollywoodien.
Qui, aujourd’hui, se souvient vraiment de Jean Dréville et de ses films, si ce n’est quelques membres précieux de la tribu cinéphile ? Son nom évoque quelques productions fastess, dont La Fayette, film le plus cher du cinéma français , ainsi qu’une série de films de guerre. Dréville porte avec lui tout un monde de cinéma des années 1930 aux années 1950, une « qualité française » plus originale et inventive que ce qu’on aime croire à ce sujet – une œuvre qui a même été parfois avant-gardiste.
La Grande muraille de Frank Capra, Everybody Sings d’Edwin L. Marin et Diamants sur canapé de Blake Edwards ? Ce sont trois films dans lesquels un personnage de couleur est interprété par un acteur blanc. Le documentaire L’Ennemi japonais à Hollywood revient sur ce sujet épineux, au centre de l’Âge d’or hollywoodien.
Le film inachevé du duo Carné-Prévert, La Fleur de l’âge, trouve une seconde vie avec L’Île des enfants perdus (titre initial du film) de Nicolas Chaudun. L’auteur retrace l’épopée de ce film maudit, et en profite pour un retour vers le passé, de l’histoire des bagnes d’enfants – sujet du film – au dézingage du « cinéma de papa » par la Nouvelle Vague.
Mélodrame gothique flamboyant, sur fond de luttes de classes, situé dans l’Australie des origines au début du XIXème siècle, Les Amants du Capricorne fait figure de vilain petit canard dans l’œuvre d’Alfred Hitchcock. Il reste pourtant un des films les plus flamboyants du réalisateur de Fenêtre sur cour et Vertigo. Autopsie d’un grand film malade, dont l’injuste rejet repose sur plusieurs malentendus.
On a cette image des grandes productions hollywoodiennes des années 40 à l’ampleur homérique, aux couleurs rutilantes et saturées. Avec son cadre de guerre civile espagnole, adapté d’Hemingway, Pour qui sonne le glas fait office de remarquable démonstration d’un visuel moderne, réaliste, et encore aujourd’hui épatant.
Troisième film antinazi de Fritz Lang, Le Ministère de la Peur est librement inspiré du roman de Graham Greene. Lang n’a, en apparence, aucune latitude sur ce film produit par la Paramount. Pourtant, on est frappé par les obsessions et autocitations langiennes qui parcourent le métrage.
A l’occasion du Festival Toute la Mémoire du Monde, qui s’est déroulé du 7 au 11 mars 2018 à la Cinémathèque française, nous sommes revenus avec Bernard Benoliel sur sa programmation consacrée à la nostalgie du muet dans le cinéma hollywoodien d’après-guerre.
Double Indemnity – 1944
Un film de Billy Wilder
avec Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward G. Robinson
Chefs-d’œuvre du Technicolor, Le Voleur de Bagdad, Une Question de vie ou de mort, et Le Narcisse noir s’ajoutent au catalogue de FilmoTV !