Années 70

À l’occasion de la sortie en Blu-ray et DVD d’un coffret regroupant trois films emblématiques du cinéaste cubain Tomás Gutiérrez Alea, La Mort d’un bureaucrate (1966), La Dernière Cène (1976) et Fraise et chocolat (1993), édité par Tamasa, Antoine Jullien vous raconte le parcours de ce réalisateur méconnu à travers les soubresauts sociétaux et politiques de son pays.

Actrice et réalisatrice française, Delphine Seyrig fut l’incarnation de la bourgeoise sophistiquée, avec son port altier, son sourire mystérieux, sa voix chaude et sa distinction naturelle. L’actrice a tourné chez François Truffaut, Marguerite Duras, Don Siegel, Luis Buñuel, Joseph Losey, Chantal Akerman, William Klein ou encore Mario Monicelli, signe du cosmopolitisme de celle qui a grandi entre le Liban, New York et la Suisse. Delphine Seyrig a aussi réalisé une poignée de films documentaires, avec le collectif Les Insoumuses et son binôme Carole Roussopoulos, témoignages d’un engagement féministe précurseur. Avec son invité Jean-Marc Lalanne, Esther Brejon retrace la carrière de cette figure incontournable du cinéma d’auteur et avant-gardiste des années 60 à 80, disparue en 1990, et qui semble plus actuelle que jamais. 

C’est sans doute le film sur la rafle du Vel’d’Hiv, dont on commémorera dans une dizaine de jours le 80e anniversaire. C’est aussi le film de l’acteur-producteur qui est sans doute, à ce moment-là, la plus grande star du cinéma français, Alain Delon (actuellement à l’honneur au festival La Rochelle Cinéma), dans une quête de déconstruction de sa propre image. C’est enfin le film d’un cinéaste singulier et inclassable, Joseph Losey (récemment au cœur d’une rétrospective à la Cinémathèque française) qui a mis en images ce cauchemar honteux et traumatique de l’Histoire française.

Alors que s’ouvre à la Cinémathèque française (ainsi qu’à la cinémathèque de Grenoble) une rétrospective Marco Ferreri jusqu’au 28 février 2022, nous avons rencontré Gabriela Trujilo, directrice de la cinémathèque de Grenoble et autrice d’un essai paru en 2020 sur le cinéaste italien, Marco Ferreri, le cinéma ne sert à rien. Raisons du purgatoire dont est l’objet le réalisateur de La Grande Bouffe, aspect visionnaire de son cinéma, particularités de son style, vision des relations-hommes-femmes, ses acteurs fétiches : Gabriela Trujilo confirme la nécessité de redécouvrir l’œuvre de ce cinéaste iconoclaste.

Après les ressorties de Frissons (1975), Scanners (1981) et Crash (1996), David Cronenberg fait de nouveau l’événement. La version restaurée de Chromosome 3 ressort en salles le 3 novembre, avec toute sa noirceur originale et sa vision sans concession du couple, de la famille et des normes sociales. Article originellement Lire la suite…

Portrait de femme tendre et mélancolique portée par Jeanne Moreau, Chère Louise est un des grands oubliés de la filmographie de De Broca. Sorti en 1972, échec critique et public, le film marque une véritable prise de risque dans la carrière du cinéaste. Une présentation à Cannes Classics en forme de réhabilitation près de 50 ans après son accueil glacial sur la Croisette.

De retour en salle, le film emblématique de Robin Hardy convie encore et toujours son spectateur à un voyage hors-du-commun dans le cinéma de genre britannique. Le singulier The Wicker Man fait rimer cinéma d’épouvante, comédie musicale et absurde, avec toute la liberté caractéristique des années 1970, dans un pamphlet contre les bonnes mœurs au magnétisme inaltéré.

Quelques éditions vidéo, une rétrospective à la Cinémathèque en novembre 2019 parallèle à la ressortie en salle d’un film insolite du cinéaste, Gran Bollito, ont ravivé le souvenir du cinéaste italien Mauro Bolognini (1922-2001), auteur d’une œuvre conséquente d’une trentaine de films, trop souvent négligée par les cinéphiles. Pour preuve : aucun ouvrage en langue française ne lui avait été consacré jusqu’ici. Après La Rome d’Ettore Scola, Michel Sportisse se penche sur cette filmographie et lui redonne la place qu’il convient de lui accorder, aux côtés des plus grands, Fellini, Visconti, Pasolini ou Antonioni.

Sarah Maldoror fut une réalisatrice touche-à-tout, autrice d’une œuvre forte de plus de 40 films, passionnée de politique, poésie, peinture, jazz. Témoin de la décolonisation dans de nombreux pays comme l’Algérie, l’Angola et la Guinée-Bissau, elle s’est servie de sa caméra pour porter la parole des peuples africains et antillais, en quête d’émancipation et de représentation.

Avec 6 films, la réalisatrice d’origine argentine a créé une œuvre à son image : libre, révolutionnaire, décalée et érotique. Ce 4e épisode retrace le parcours de cette femme hors du commun, cinéaste, écrivaine, critique d’art, qui fut proche d’Abel Gance, de Picasso et des surréalistes.

Dans les années 70, la relation entre Suzanne Schiffman et François Truffaut se renforce. Elle coécrit ses scénarios et l’assiste à la mise en scène, jusqu’au décès de ce dernier en 1984. Suzanne Schiffman prend ensuite son envol, mais l’indépendance n’est pas si facile à acquérir pour la cinéaste.

Figure majeure de la Nouvelle Vague, proche de Jean-Luc Godard, Jacques Rivette et François Truffaut, Suzanne Schiffman a officié auprès de ce dernier pendant plus de 20 ans, en tant que scripte, assistante, scénariste et bras droit. Avec elle, Truffaut trouvait soutien, solutions et inspiration. Sans elle, il n’aurait sans doute pas eu la même carrière.

Réalisatrice américaine inconnue des cinéphiles français, le cinéma de Joan Micklin Silver, se caractérise par une description de la société américaine à travers ses communautés, qu’elles soient professionnelles, religieuses, familiales, faisant de la cinéaste une grande portraitiste des mœurs américaines.

Aussitôt occulté par l’ombre de Star Wars, le deuxième long-métrage de George Lucas mérite que l’on y rejette un coup d’œil. À travers le prisme faussement nostalgique envers la décennie précédente, American Graffiti se révèle surtout par sa reconstitution d’une fin de l’innocence rituelle et révolue, observée depuis cette Amérique traumatisée du début des années 70.

Étonnant film dans une période où Alain Delon était en pleine recherche de singularité, Le Professeur ressort en version restaurée et retrouve sa “version longue” 47 ans après que son producteur, Delon lui-même, ait imposé de multiples coupes pour la sortie françaises. Fidèle à son réalisateur Valerio Zurlini, Le Professeur est avant tout une histoire d’ennui existentiel.

Films érotiques japonais des années 1970, les Roman Porno ont été édités par Elephant Films dans un coffret les réunissant avec une nouvelle vague de films récents du même acabit, produits par la Nikkatsu, pour une plongée dans des représentations troubles, sulfureuses, déviantes, mais fascinantes de la sexualité au sein d’œuvres parfois remarquables.

Qui se souvient de Mauro Bolognini ? Parmi les grands cinéastes italiens, le public citera Federico Fellini, Sergio Leone, Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Ettore Scola, Roberto Rossellini… Même les plus cinéphiles semblent avoir oublié le cinéaste de La Dame aux Camélias, avec Isabelle Huppert. Une rétrospective, qui se donne actuellement à la Cinémathèque française, vient à point nommer pour remettre à l’honneur ce grand cinéaste italien. Parmi ses films, on trouve Black Journal, œuvre monstre, enfin présentée dans une superbe version intégrale restaurée – 20 minutes supplémentaires ! –, mélange improbable de drame criminel, historique, film d’horreur, réflexion sur l’identité sexuelle, la maternité.

Cold Sweat, aussi connu sous son titre français de De la Part des Copains, est le quinzième film de la collection Make My Day ! de Jean-Baptiste Thoret. Réalisé par Terence Young – cinéaste britannique connu pour ses thrillers d’espionnage –, Cold Sweat est un pur produit tel que savait les mettre en scène le réalisateur.

Au même titre que Peter Pan, Alice ou, plus près de nous, Harry Potter, Pinocchio fait partie de ces mythes populaires récents qui résonnent aussi bien à l’esprit des enfants que des adultes. L’adaptation animée de Walt Disney n’est pas étrangère à la popularité du célèbre pantin de bois, même si elle a en trahi l’esprit et la lettre. En offrant sa version initialement tournée pour la télévision italienne en 1972, le cinéaste Luigi Comencini revient non seulement aux sources du conte feuilletonesque de Carlo Collodi paru à la fin du XIXème siècle, mais il livre un des plus beaux manifestes sur l’enfance.